WARPAINT (2016) Heads Up

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Fascinado una vez más por el etéreo (y eterno) poderío de las cuatro guerreras musicales que forman las Warpaint  (Emilly, Teresa, Janny Lee y Stella), el tercer largo de las californianas es otra joya de incalculable valor con la que soñar eternamente. Por mucho que me gustara su single de presentación, llamado curiosamente New Song, he de admitir que la duda me asaltó. ¿Se habían pasado las Warpaint al pop de hits radiables?. La verdad es que con ese adelanto, aún siendo todo el disco así, no pintaba nada mal, pero seguía pensando que perderse las arriesgadas y experimentales composiciones por las que se dieron a conocer más ampliamente con su segundo álbum, esa psicotrópica maravilla producida mano a mano con Flood en el 2014, era algo por lo que preocuparse.

 

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Pues nada más lejos de la realidad, incluso he llegado a pensar que fue la discográfica (Rough Trade) la que les pidió un hit para lanzar el álbum y ellas les dieron esa New Song, ya que el resto sigue, con matices, la marcada línea rítmica y volátil de su hermano mayor. Con matices me refiero a que este Heads Up (una expresión por la que siempre he tenido predilección) domina mucho mejor la base rítmica con los devaneos de las suaves y delicadas guitarras. Todo encaja mucho mejor, se concreta más (dentro de su propia personalidad ya de por sí bastante escapista), se completan mejor las composiciones, se trabaja más en el ritmo y la cadencia logrando un estado físico, mental y emocional absolutamente incomparable. Extraño pero encantador al mismo tiempo, Heads Up es hipnótico y adictivo a más no poder.

 

Arropadas por bases rítmicas que nos podrían trasladar tanto al trip-hop como al rap, lo suyo es rellenarlas de mantras, tantos musicales como vocales, para meterte y sacarte de algunas de las emociones más maravillosas, deliciosas y misteriosas que puedas vivir al escuchar un disco. Producido nuevamente por ellas mismas y Jacob Vercovici, quien ya trabajó con ellas en su Ep debut Exquisite Corpse del 2008 y lo volvió a hacer en su último single del 2015 llamado No Way Out/I'll Start Believing, un tipo que les tiene muy bien tomada la medida ya que esas tres obras están claramente conectadas rítmicamente,  Heads Up es un auténtico viaje alucinatorio, psicotrópico y único. ¿Estás dispuesto a dejarlo escapar?. 

Puntuación 9

DARKTHRONE (2016) Arctic Thunder

 

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Sin necesidad de hacer las obligadas presentaciones sobre la banda en cuestión, el que esté metido en el black metal y  no conozca a Darkthrone es que algo está haciendo mal, el dúo noruego formado por Nocturno Culto (voces y guitarras) y Fenriz (batería) vuelve a la carga con su enésimo (creo que vamos por el número 16) disco de estudio respondiendo al nombre de Arctic Thunder. Un disco que sigue la línea actual marcada por sus últimos discos, la apertura de miras iniciada con la trilogía punk formada por F.O.A.D. (2007), Dark Thrones and Black Flags (2008) y Circle The Wagons (2010) sigue presente en este Arctic Thunder de la misma manera que también está representada la faceta más madura de su anterior The Underground Resistance con el que puede formar tándem sin problema alguno, Arctic Thunder también se las ingenia para presentarnos a unos Darkthrone renovados una vez más, únicos y memorables como manda la siniestra y helada tradición noruega.

 

Tomando de aquí y de allá para componer un disco con personalidad propia sin necesidad de sonar a copia de la copia de sus hermanos mayores, como Darkthrone solamente suenan a ellos mismos sería bastante factible toparnos con un disco reciclado en la historia de una banda con más de 25 años a sus espaldas, es motivo de reconocimiento y alabanza comprobar como una banda que ya lo tiene todo hecho en la escena, siendo parte importante de la historia del black metal noruego y llevando el título de leyendas vivas del estilo, es capaz de seguir superándose, probándose y ofreciendo trabajos tan interesantes y abrasivos como este Arctic Thunder.

 

Cansados de su propia fórmula, imitada, copiada y fusilada hasta la saciedad (sin demasiado éxito) por incontables bandas dentro y fuera de la escena noruega, Darktrhone lleva más de una década rindiendo pleitesía a sus propios dioses, los del metal clásico y el punk más corrosivo, para componer cinco discos que superan con creces su etapa medianera (1995-2005) elevando la madurez del dúo mucho más allá de lo previsto. Revitalizando todo lo esencial dentro de su propia evolución (y la del género) Fenriz y Nocturno nos atacan con un álbum oscuro, séptico, crudo, incómodo, áspero y malcarado en el que se reconoce a Darktrone por los cuatro costados (sobretodo si has seguido su trayectoria) pero que a la vez nos ofrece ciertos aspectos renovadores en la fórmula más actual demostrando porque siguen siendo los auténticos jefazos del black más infecto y despegado de sus orígenes. Cada vez más pulidos, pensados y premeditados, sin perder un ápice de su mala baba e inconformismo, Arctic Thunder es un nuevo hito en la historia de la banda, dato que debería ser extrapolado a la escena de manera impepinable.

Puntuación 9

KASE O (2016) El Círculo

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Javat, maestro del psicoanálisis, ha cerrado la espera más ansiada y alargada de la historia del rap patrio. Una espera en la que muchos, entre los que me incluyo, hemos llegado a dudar de la continuidad en el trono del que, como todo hijo de vecino sabe de sobras, ha sido el mejor mc del país desde el nacimiento de los Violadores del Verso en Zaragoza a mediados de los 90. A estas alturas la cuestión era clara, ¿seguía siendo a día de hoy Kase O el mejor mc de España?. Pues bien, lo que viene a demostrar este El Círculo es que además de callar TODAS las bocas en España, no se me ocurre otro mc en la actualidad con más barras, verstilidad, estilos, flow, calidad, técnica, competición, vacile, ni más real que el maestro Javier Ibarra. Dicho esto, el resto es historia de la música. 

 

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10 años después del último gran disco de los Violadores, Vivir Para Contarlo (2006), y de dos grandes decepciones con los respectivos discos en solitario de Hate y Lírico, Kase O vuelve más desnudo que nunca, marcando estilo con su desgarrador autoanálisis y funcionando las veces como el necesario psicoanalista de toda una generación de causas perdidas. Que por otra parte no lo son de ninguna manera, el problema es que no lo saben y ahí está Kase O para darte en la puta cara con la realidad más corrosiva y sincera, esa de la que tanto adolece la escena y por ende la raza humana, y vencer a la puta desidia a golpe de hardcore como modo de vida.

 

El disco transmite fuerza, grandeza, El Círculo es capaz de hincharte hasta límites insospechados de la misma manera que es capaz de bajarte hasta lo más profundo de tus propios infiernos para saludar, orgulloso de ellos, a tus temidos demonios a sabiendas de que con letrones como el de Guapo Tarde o el de Basureta (Tiempos Raros) tu capacidad para afrontarlos se multiplica por mil. Poco voy a hablar de los temas ya que es un disco para descubrir uno mismo y sentirse representado en sus únicas (y globales) conexiones neuronales con el raper más grande que ha parido España, pero algo voy a decir, ni que sea poco, de cada uno de ellos para quedarme bien agusto.

 

Esa Intro devastadora, esa facilidad para follárselo todo sin despeinarse en Esto No Para, la barbaridad de Yemen, la impresionante técnica de Triste, la dolorosa sinceridad de Guapo Tarde, la fiesta de cantina con Viejos Ciegos, la pataleta fundada de Quieren Copiar, la medio-patinada de Pavos Reales, la explícita sensualidad de Mitad y Mitad, la agradable sorpresa de Mazas y Catapultas, la gordura clásica de Amor Sin Cláusulas, la funkeada culera de No Sé Que Voy A Hacer, el zasca en toda la boca de Risoterapia, el himno superior que ya es Rap Superdotado, la auto crítica y la exigencia de Repartiendo Arte y la desnudez emocional de Basureta conforman un disco que, pasando de sobras la hora de duración, tiene tanta importancia como para poder significar un antes y un después en la historia del rap nacional, eso como poco.

Puntuación 10

ARCHIE AND THE BUNKERS (2016) Archie and the Bunkers

 

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Y si hace unos días os hablaba de mi última obsesión/descubrimiento pop, The Goon Sax y su inagotable Up To Anything que ayer mismo pude ver en directo y sonó aún mejor que en estudio, hoy toca hacer lo propio con otro de esos descubrimientos descomunales a los que tanto partido le estoy sacando. Nos situamos en Cleveland, Ohio, para disfrutar del rock garajero de alma trashy articulado por Emmet y Cullen, dos imberbes chavalines que por las fotos creo no equivocarme al decir que no pasan de la veintena, a los cuales tan solo les hace falta una batería (Emmet) y un órgano (Cullen) para montar la fiesta más contorsionista, colorista y desfasada del año con su debut autotitulado para Dirty Water Records. Sin duda uno de los mejores y más originales estrenos de este año.

 

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Con una actitud decididamente punk, Archie and The Bunkers presentan una psicodelía artística, muy bien dotada gracias al protagonismo extremo de su órgano que comprende, al menos, tres décadas de punk rabioso y accesible esputado de manera portentosa y directa a través de unas composiciones que bien podrían haber estado firmadas por un cruce imposible entre unos The Doors rejuvenecidos, nuestros amados Tokyo Sex Destruction y unos Wire reducidos a la mínima expresión musical, aunque no por ello faltos de energía y vitalidad. Capaces de incendiar tu habitación a base de repeticiones rítmicas que mezclan las pulsiones juveniles con la maduración musical propia de unos veteranos, ese registro vocal le da un empaque brutal al conjunto, su espacio sonoro no ha sido frecuentado últimamente demasiado por el resto de revival punk y eso es muy de agradecer.

 

Suenan frescos, aunque la oscuridad es parte inseparable de su personalidad, y potentes gracias a la milimétrica producción de ese astro de las mesas y los estudios de grabación llamado Jim Diamond (The White Stripes, Dirtbombs, Clone Defects) consiguiendo que esa frescura suene tan áspera y corrosiva como festiva y delirante. Un disco que hará las delicicas de cualqueira que busque en la enésima encarnación del punk un punto de originalidad y descoloque digno del propio estilo. 

Puntuación 8

THE GOON SAX (2016) Up To Anything

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Llegando prácticamente a la barrera de los cuarenta, sigo cayendo rendido a los pies del pop más juveniloide e imberbe sin demasiada explicación. Es evidente que ya se me pasó el arroz de la adolescencia hace muchos años, pero es incuestionable que cuando escucho actos tan irresisitibles como The Rural Alberta Advantage, Weezer (los eternos adolescentes) o estos The Goon Sax mis pulsiones veinteañeras salen a relucir sin complejos ni mayor complicación para disfrutar a todo tren de sus amores y desamores, de sus dudas existenciales y de sus acomplejadas composiones.

 
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Formados en 2013 cuando Louise Forster y James Harrison coincidieron en sus años de instituto, no fue hasta el 2014 cuando aparece en la foto Riley Jones a la batería, después de tomar tan sólo un mes de clases, que la banda toma forma decididamente y da su primer concierto en Junio de ese mismo año. Venidos desde Brisbane, Australia, Louise Forster viene de familia de artistas, su padre es Robert Forster de los míticos The Go-Betweens, y eso es algo que se nota. La calidad de las letras y la dedicación musical que presentan The Goon Sax tiene a quien parecerse.

 

Dotados de una perspectiva pop personal y fresca, sus composiciones se mueven entre los clarososcuros de la juventud, emoción, pasión, depresión y dudas, su sencillez hace que su debut sea de fácil acceso, aunque no para todos, cumpliendo con creces las enseñanzas de Galaxie 500, Talking Heads, The Pastels, Beat Happening o The Cannenes, por nombrar varias de las ineludibles referencias que se encuentrar en su discreto y certero debut.

Puntuación 8

GHOST (2016) Popestar

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Ghost son ya una institución del metal actual, eso sin ser del todo metal que ya es un mérito prácticamente único, y después de tres discos largos que han hecho las delicias de los amantes de la rama más escénica y cómica del mismo, dato que hay algunos que todavía no tienen muy claro, ha llegado el momento de firmar un segundo Ep de versiones como ya hicieran tres años atrás con aquel brillante If You Have Ghost producido por el omnipresente Dave Grohl en el que nos encontrábamos con cuatro sorpresivas versiones todas ellas firmadas por bandas muy alejadas de su propio estilo (Roky Erickson, Abba, Army Of Lovers y Depeche Mode) además de la mítica Secular Haze en directo.

 

Pues bien, para la segunda entrega de sus Ep's de versiones, esperemos que esto siga así durante unos cuantos Ep's más,  nos topamos de morros con un primer tema original y nuevo de la banda Sueca titulado Square Hammer, para el que ya han lanzado un vídeo muy en la línea de su marcada personalidad y con la que vuelven a incidir en su carácter más pop y accesible dejándonos con ganas de más. Seguida de Nocturnal Me de los Echo And The Bunnymen, I Believe de los Simian Mobile Disco (atraverse con eso es tan osado, aluninante y sorprendente como ya hicieran en el pasado con Army Of Lovers), Missionary Man de Eurythmics y finalmente una versión de una banda de rock sueca llamada Imperiet de su tema Bible. 

 

Sin poder hablar del último tema con conocimiento de causa, ni conozco a la banda ni el tema en cuestión, es impresionante como, una vez más, Ghost se lleva a su terreno cada una de las canciones originales para  trasnformarlas y versarlas  hasta convertirlas al lado cómico-siniestro de sus composiciones llegando hasta el punto de, sobretodo para el que no conozca las canciones originales, de poder contarse como canciones propias sin ningún género de duda. Pocas bandas hay capaces de hacerte olvidar los temas originales, y menos algunos tan famosos como los que Ghost han escogido para versionar en ambos de sus Ep's, y reconocer de ellos su valía indiscutible como versionadores únicos e insuperables.

Puntuación 8

SHOTTA (2016) Para Mi Gente

 

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Ahora que el rap patrio está sufriendo la mayor de sus mutaciones, en todos los sentidos, y que además ese rollo del trap y el imbatible reggaeton tienen dominados los mp3s de todos los chavales del barrio, y gran parte de las ondas de rádio, hacen falta discos tan directos, frescos, clásicos y peleones como éste Para Mi Gente, el quinto álbum largo de Shotta, para poder seguir diciendo que nuestro rap sigue vivo y que dure. Después de dos álbums junto a su hermano  Tote King (Tu Madre es una Foca (2001) - Héroe (2012)) y cuatro álbums desde su estreno en solitario (El Niño de la Selva (2004) - Sangre (2008) - Profundo (2010) - Flowesía (2014)), Para Mi Gente es el disco más maduro, reflexivo, pop y tranquilo, con el permiso de Profundo, del mc de Sevilla.

 

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Habiendo sido padre, su niña aparece en el primer tema del disco, y pasada ya la barrera de los 30, Shotta ha madurado de la cabeza a los pies tomando la riendas de su estilo y su carrera musical para dirigirla hacie donde él quiere, hacia su terreno, hacia sus movidas actuales, hacia su gente, directo desde su corazón al corazón de sus fans, tan certero y preciso como un samurái del siglo X. Para Mi Gente vuelve a tener temas decisivos, de esos que se te clavan en el alma, himnos insuperables que van mucho más allá del concepto rap para convertirse en parte de tu ADN, (Hay que Vivir, Hermanos para Siempre, Amigos). Pero también tenemos temas crudos y gordos (Celebrándolo, Sé, Recuerdo), en los que Shotta vuelve a desnudarse sin complejos, sin pelos en la lengua, vaciándose hasta darse la vuelta, temas en los que los sonidos de fiesta se mezclan con la crítica social (Nos Quieren Ver, Se Lo Merecen), para mover tu cu-cu y hacerlo con mensaje, o su sincero y descarado amor por las mujeres (Por Ti Muero, Vaya Culo).

 

Un disco de lo más completo, sólido y notable, Para Mi Gente es casi un disco coral. Sin quitarle mérito al auténtico protagonista del disco Shotta ha querido contar con artistas como Baghira, Acción Sánchez, Dj Rune, Heavy Roots, Cookin' Soul o Pablo Gareta, haciendo maravillas a los ritmos siendo muy destacable ese sección concreta del disco, y acompañado al micro por amigos como Green Valley, Juanito Makandé, Morodo, Natos y Waor, o su hermano Tote King entre otros. Le pongo un 9 porque sé que puede hacerlo mejor.

Puntuación 9

CÁLIDO HOME (2016) Tones and Shapes

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Con un nombre para el grupo al que todavía no me acostumbro (no sé si ese Home se refiere a hogar en inglés o a hombre en catalán) el dúo barcelonés formado por Anna Andreu y Eduard Pagès, que responde al nombre de Cálido Home, nos regalan un irresistible catálogo de folk minimalista y acústico (2 guitarras únicamente) con el que poder retozar, derretirse, alegrarse, soñar y volar sin medida durante sus 27 minutos de duración contenidos en 10 preciosas composiciones. 

 

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Poniéndote la emoción a flor de piel y superando su discreto, aunque muy disfrutable, debut, Cálido Home toma sus armas, las dos guitarras y el sedoso registro de Anna, y las expone desnudas, directas y frontalmente ante tí sin opción a escapar de ellas. Si lo tuyo es el folk de gentes amables como mis añorados The Civil Wars, sobretodo cuando Anna y Eduard hacen el dúo vocal como en la preciosamente arreglada Full Moon Pilgrim, o The Weepies, esa pareja más alegre que unas castuñelas, Cálido Home es tu nueva banda favorita y además de casa, con más razón se merecen una escucha.

 

Puesto en circulación por la SIEMPRE efectiva y acertada Bcore, os adjunto el link su bandcamp para que podáis disfrutar sin remordimientos de la universal visión musical de Cálido Home y de su precioso y delicado Tones (de amor) and Shapes (del corazón). Un disco que va directo y sin freno a las primeras posiciones con lo mejor de la cosecha nacional de éste 2016. Además tuve la suerte de verlos hace unos meses de teloneros de Wind Atlas y os puedo garantizar que en directo son simplemente arrebatadores.

Puntuación 9

WILCO (2016) Schmilco

 

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El décimo disco de estudio de los americanos Wilco viene precedido por una portada con la que mucho tendría que fallar el redondo para no ser considerado un magistral ejercicio de arte en bruto. Empezando por su portada, realizada por el artista barcelonés Joan Cornellà, pasando por su título, inspirado en el excéntrico artista Harry Nilsson, y acabando por su contenido, un efectivo y atractivo compendio de canciones en clave acústica que nos devuelven a los Wilco más accesibles y experimentales al mismo tiempo, Schmilco es uno de esos discos de Wilco que, como el autotitulado del 2009, el anterior Sky Blue Sky o el A.M. del 95 (aunque los tres disten considerablemente entre ellos), que puedes acabar quemando hasta necesitar una copia nueva.

 

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Para mí, Wilco, es una banda de doble planteamiento. Tienes los discos gradilocuentes y densos de Wilco (normalmente los más vitoreados) como A Ghost Is Born, The Whole Love o Being There, demasiado largos y contemplativos para mi gusto. Y luego tienes los Wilco más accesibles y concretos (que tampoco fáciles) con discos como los que he comentado en el párrafo anterior. Yo me quedo con los Wilco menos pretenciosos, menos crecidos, menos sesudos, menos espesos, menos lentos. Por eso considero Schmilco uno de entre lo mejor de la banda capitaneada por Jeff Tweedy. 

 

Schilmo es acústico prácticamente en su totalidad, pero eso no lo exime de contener trazas de experimentación marca de la casa, ni tampoco de la opción de enchufar ciertos instrumentos aquí y allá en momentos muy puntuales. Con un rumbo claramente pop en la mayoría de los temas, los más experimentales son los que juegan con ese carácter más oscuro y rebuscado que también tienen la banda de Chicago.

Puntuación 8

EAGULLS (2016) Ullages

 

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Después de que en 2014 el quinteto de Leeds nos dejara uno de los debuts más explosivos, viscerales y revitalistas del año, Eagulls vuelve a la carga con un segundo álbum en el que, sin necesidad de distanciarse de ese revival post-punk tan en boga en nuestros días, cambian radicalmente de tempos, expresiones y maneras, para ofrecernos un Ullages que se mueve dentro de los medios tiempos siniestros, la sensibilidad punk y el dream-pop oscurantista en un ejercicio musical que complica su propuesta sobremanera y los desplaza de la juventud pueril de su debut intencionadamente.

 

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Con un registro vocal por parte de George Mitchell que nos remite irremediablemente a los años dorados de The Cure, es indudable que la mayor inspiración de Mitchell es Robert Smith, dicha similitud se convierte en un arama de doble filo. Si en un principio nos resulta lo suficientemente familiar como para adentrarnos en los recovecos semi-iluminados de las composiciones de los Eagulls sin mayor dificultad, una vez acostumbrado a este Ullages el estigma de Smith no desaparce de la fórmula de Mitchell y eso no es del todo bueno.

 

Puede ser que si tuviera otro registro de voz no hubiera hecho ni caso a estos Eagulls, aunque lo dudo mucho ya que la calidad clama por si sola, pero al practicar un estilo tan similar y estar dotado de ese registro prácticamente calcado al de Smith, la banda personalidad de la banda se ve comprometida. Si aquí tenemos a gente como Belgrado, sin duda una de las bandas de post-punk más disfrutables de la escena internacional actual, Eagulls se convierte en el referente inglés del momento.

Puntuación 7

THE AVALANCHES (2016) Wildflower

 

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El segundo disco de los asutralianos The Avalanches llega nada menos que 16 años después de su ya clásico debut llamado Since I Left. Un compendio de electrónica, música dance, hip-hop y sampleados míticos que cogió a todos por sorpresa y catapultó a The Avalanches hasta lo más alto de las listas de ventas estando presentes en la mayoría de clubs y pistas de baile durante varios años después de sacar el mítico debut. Haciendo remixes para más de uno (Belle And Sebastian, Franz Ferdinand, Manic Street Preachers) durante la primera mitad de la década pasada, fueron despareciendo del candelero poco a poco hasta que este año los pudimos ver en el cartel del Primavera Sound sin previo aviso.

 

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El colectivo de músicos, que en su día estubo formado por nada menos que siete componentes, ha pasado al formato dúo (Robbie Chater y Tony Diblasi) para componer, exponer y deleitarnos con este precioso, adictivo y fresco Wildflower, un segundo álbum que bien podría estar a la altura del debut. Con nada menos que un total de 22 temas, algunos de ellos en foramto skit breve sobrepasando por poco el minuto de duración, el segundo álbum de The Avalanches es más sólido que su debut, más maduro, menos desfasado, quizás la falta de múltiples personalidades es lo que hace de él un redondo no tan variado, alocado y bailable, pero es indudable que nada de lo pronunciado afecta lo más mínimo a la calidad de sus mezclas, los muestreos o la frescura.

 

Pero hablemos de las colaboraciones. Jonathan Donahue (Mercury Rev), Toro & Moi o Father John Misty son algunos de los nombres célebres que aparecen en este Wildflower. Pero si hay un tema concreto y una colaboración que destacan sobremanera en este Wildflower (además tiene un remix al final del disco), esa es sin duda alguna Frankie Sinatra con MF Doom y Danny Brown. Uno de los temas más simpáticos, bailables, luminosos y radiantes de este Wildflower y sin duda de este año también.

MASSIVE ATTACK (2016) The Spoils / Come Near Me

 

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Un periodista inglés ha abierto la caja de Pandora diciendo que, según su teoría nada descabellada, Robert Del Naja de Massive Attack es Banksy, el grafitero político-social más misterioso de la historia. A mí personalmente, me atrae sobremanera la idea además de encontrarla bastante posible. Desde entonces, noticia que ha salido a la luz justo en el momento en el que Massive Attack vuelve a estar en el candelero con el anuncio de un nuevo disco para antes de que finalice el año y dos Ep's publicados hasta el momento, ha habido contestaciones de todo tipo, pero la creencia de que estamos ante una jugada de marketing orquestada desde su sello ha estado en la mente de muchos. Aunque también hay que decir que Del Naja tampoco ha dicho al respecto desde que se filtró el bombazo.

 

Sea como sea, aquí estamos para comentar el segundo paso musical que ha dado Massive  Attack este año antes de la salida de su disco. Después de ese jugoso Ep llamado Ritual Spirit producido al completo por Robert Del Naja, tocaba descubrir de lo que era capaz Daddy G en solitario tal como anunciara el grupo antes de la salida de los Ep's. El primer problema que nos encontramos con este The Spoils / Come Near Me Ep es la inclusión de únicamente dos temas en el mismo. El segundo es que, aún con Hope Sandoval en el primer tema y Ghostpoet en el segundo, estamos ante un Ep claramente inferior a su previo. 

 

The Spoils, que es el tema con Sandoval, quizás sea el más destacable. Ya habían colaborado juntos en el anterior largo de los de Bristol Helioglobal, con su aportación en el magistral tema Paradise Circus, y aunque hay que reconocer que este The Spoils no está a la altura de aquella celestial colaboración, es bien cierto que Massive+Sandoval es siempre muy bienevenido. El segundo tema es un clásico de la banda (en cuanto a tempo y sonido se refiere) aticulado por el mc inglés Ghospoet que recuerda demasiado a los registros de Tricky con el combo de Bristol forzando la odiosa comparativa sin que el último tema presentado hasta el momento por el dúo electrónico más socio-político de la actualidad salga victorioso en la pugna.

Puntuación 7

SCOUR (2016) Scour

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Dejando a un lado el carácter fascistoide de Phil Anselmo, aunque hay que admitir que últimamente es difícil no hacer caso de sus salidas de tono, el enésimo envite musical del cantante de Pantera pasa por ser un proyecto totalmente nuevo y bastante alejado de lo mostrado hasta el momento por esta imbatible máquina de facturar metal extremo. Puede que a muchos les sorprenda la nueva faceta de Anselmo, es innegable que hacia donde más tiran estos Scour es en dirección al black metal, pero si nos remontamos 25 años atrás, ya podíamos ver a Anselmo enfundado en sus camisetas de Dark Funeral y Marduk cuando la mayoría de nosotros ni tan siquiera habíamos escuchado nuestros primeros discos de black metal. Por lo tanto, que Scour beban de esa corriente no es nada sorprendente.

 

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Con una formación que la completan John Jarvis (Pig Destroyer, Agoraphobic Nosebleed, Fulgora), Derek Engemann (Cattle Decapitation), Chase Fraser (ex-Animosity, Decrepit Birth), y Jesse Schobel (Strong Intention, Cast the Stone), el primer (y esperemos que no el único ya que los proyectos de Anselmo tiene menos vida que una mosca) EP de Scour se caracteriza por su velocidad, su brutalidad, su siniestra morbosidad, su violencia desatada y su afilada producción. Se ha hablado mucho de su similitud con Darkthorne, Emperor o Mayhem, dato que no he podido confirmar después de escuchar el debut de Scour, pero bajo mi punto de visto, aquí no hay nada de ninguno de ellos más allá de las referencias estilísticas.

 

Compuesto por tan sólo 6 temas que no pasan de los 13 mintuos, el formato en vinilo de 10" ha sido todo acierto, nos encontramos con un Ep de debut capaz de destrozarte físicamente con sus breves pero sobradamente intensas composiciones con las que disfrutar como un energúmeno sin ninguna contemplacion. No hay respiro, no hay bajada de revoluciones, no hay freno posible, Scour son una caída en picado hasta lo más profundo del abismo de la mano de una banda que puede presumir de estar entre lo más curtido y experimentado del basto reino extremo del metal. Sobrante esa Tactics instrumental-ambiental de casi dos minutos que se sitúa antes de la última canción del disco provocando un descanso-descenso innecesario que hubiera estado mucho mejor situado como intro o outro, por lo demás, una auténtica apisonadora.

Puntuación 8