KAMPFAR (2011) Mare

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Empezamos la traca de caña que os tengo preparada para lo que queda de semana, o por lo menos esa es mi intención si no se me cruza por en medio cualquier discazo de pop artificioso al que soy totalmente vulnerable últimamente, con una de las bandas noruegas a las que le he cogido más vicio estos últimos días al encontrarme con el disco más refescantes y malcarado de black metal que he escuchado en lo que va de año. Resulta curiosa la creciente acitividad de una banda que después de sufrir la importante baja de su guitarra principal durante este último año y habiendo facturado tan sólo dos discos en sus primeros doce años de existencia contemos este Mare como el tercero de los últimos 5 años, todo un lujo para una banda que muestra a cada paso que da una firmeza y una mejora insólita.

Sin haber soltado prenda de quién iba a ser el encargado de asumir el dificíl puesto de sustituto para Thomas los Kampfar se han metido en el estudio para grabar por primera vez con un productor externo. Y como la intención de los Kampfar no era otra que la de volver al sonido primigenio y original de sus inicios y poner sobre los surcos de un disco su manera de entender el black metal en su forma más pura y desgarradora han escogido a uno de los mayores expertos en tan siniestra materia, nuestro buen amigo Peter Tägtgren, por el que apuesto a que ha sido también el que ha grabado las guitarras.

Centrado en un sonido limpio y marcadamente oscuro y violento Mare significa un cambio radical hacia la vertiente más extrema del sonido de Kampfar encaminados por el auténtico guru del metal extremo y guiados por una furia y una fuerza destructiva nunca antes experimentada por el combo. Contruyendo verdaderos pepinazos de black metal desatado la melodía se encuentra tapada por un muro de guitarras que solamente descansan cuando los teclados y las ambientaciones lúgrubres se lo permiten. Otro a competir por el disputado puesto de mejor disco de la lista negativa del año. Por cierto ya está en el Spoty hace días.!!!

BORIS (2011) New Album

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Mi alegría al saber que los japoneses Boris iban a sacar la jugosa cantidad de tres discos durante este 2011 llegó a cotas inimaginables cuando sin haber tenido casi tiempo de asimilar la noticia me topé con este New Album (no se han partido mucho los cuernos para idear un título sugerente para álbum) y sin dudarlo ni un momento y después de comprobar que gastaba una de las portadas más bonitas que he visto en los últimos años me decidí a descargarlo para comprobar cual había sido el resultado en su nuevo primer largo del año después de parir uno de los mejores Ep's que he escuchado en mi vida llamado BXI junto al pluriempleado Ian Astbury el pasado 2010.

Aunque ahora mismo me parezca increíble la primera impresión que tuve al escuchar el disco fue que era un fake como una catedral, el estilo y el sonido que gasta el trío japones en este New Album es tan diferente y desconcertante en un principio que por un momento llegué a pensar que me habían colado lo último de la nueva banda indie de moda. Si, si como lo estáis oyendo, los Boris se han pasado al indie por la puerta grande y sin tapujos entregándonos la obra más audible, alegre y plural de toda su historia y encima les ha salido como de costumbre, un discazo como la copa de un pino.

Hipnotizados y embelasados por una actitud claramente pop Boris han puesto sus privilegiadas mentes clarividentes al servicio de las melodías más edulcoradas y los sintetizadores más irreberentes para construir unas composiciones que en su mayoría rezuman luminosidad y buenas vibraciones. Adquiriendo un tempo más rápido que de costumbre e inudándolo todo con su particular muro sónico al que por descontando no han renunciado en este New Album sorprende la gracilidad como saltan de la vertiente más power-popera y visceral a la de los sintetizadores sin despeinarse. Una nueva faceta más a sumar a una banda que hasta ahora había pasado por el ambient, el drone, el stoner y algún que otro estilo más dejándonos algunas de sus obras claves y a los que ahora hay que añadirle esta nueva y refrescante versión de si mismos a la que espero le den continuidad ya que es una de sus mejores encarciones hasta la fecha.

ULVER (2011) War Of The Roses

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Con la sobradamente ganada reputación que les precede hoy le damos la bienvenida con los brazos abiertos a la última aventura experimental de los noruegos Ulver. War Of The Roses es desde ya, y con esto no quiero decir que sea el mejor, el disco más accesible y limpio que han relizado los de Garm en el que, como viene siendo habitual, han vuelto a adentrarse sin miedo en esa continua metamorfosis personal que llevan experimentando desde sus inicios. Una de las bazas que mejor saben jugar los Ulver es la del efecto sorpresa, nunca sabes en que dirección o hacia que estilo se va a mover la música de los de Oslo hasta que no comienzas a adentrarte en su nuevo viaje musical y para la ocasión tengo que admitir que me han dejado boquiabierto.

Antes de nada vamos a nombrar a los ilustres colaboradores con los que ha contado el combo para la composición y ejecución de tan honrosa y crepuscular obra. El primero en asomar la capucha es Stephen Thrower de Coil and Cyclobe, tenemos también al guitarrista experimental Stian Westerhus y a dos maestros de la improvisación ingleses llamados Steve Noble y Alex Ward, que quede claro que no conozco a ninguno de ellos pero creía importante mentarlos ya que por lo que he leído su papel en el disco ha sido tan importante como el del propio Garm.

Y como consecuencia de tal conjunción de tan variadas personalidades musicales tenemos uno de los discos más experimentales que ha relizado la banda hasta la fecha y a la vez el más armonioso y equilibrado. Retorciendo el jazz de estructuras libres y encajando las piezas a fuerza de imaginativas y airosas atmósferas oscuras pero de momentos esperanzadores tan brillantes como el reflejo del sol en los nevados paisajes noruegos resulta reconfortante encontrarte con pasajes que rozan el pop, el rock o el spoken-word sin desviarse nunca del amplio y todavía por pavimentar camino del avant-garde más artístico y revelador.

GRAVEYARD (2011) Hisingen Blues

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Uno de los secretos mejor guardados de Suecia se conevetirá en breve en uno a voces depués de que el pasado 25 de Marzo saliera a la venta este maravilloso Hisingen Blues bajo el sello multitentacular Nuclear Blast quienes después de escuchar su ya lejano debut del 2007 bajo el sello independiente TeePee Records no dudaron en hacerse con sus genialidades firmando un jugoso contrato con el que esperemos pueden conseguir una mayor promoción y progresión ya que calidad y buenas canciones no les faltan.

De nuevo anclados en la época dorada del rock de alto octanaje, los 70's parecen volver a la vida escuchando a estos jóvenes dinosaurios del rock, recordándonos cada vez menos a sus maestros y poniéndole un mayor empeño en sonar, dentro de los cánones estándares que dicta el rock de esa época, algo más personales y originales para desmarcarse del ineludible estigma de bandas como tan importantes y reconocidas como Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath o Pentagram por nombrar al gunas de las influencias más patentes en su música.

Capaces de tirar del groove más cavernoso y visceral o envolverse del dramatismo más melancólico y conmovedor los Graveyard han vuelto a componer uno de los mejores catálogos de rock atemporal que podréis escuchar a lo largo de este muy frutífero 2011. Tanta es su genialidad que, con el permiso de la banda de los hermanos Robinson, hacía años que no recuparaba con tanta credibilidad esas sensación de rock intravenoso y añejo que tan bien transmiten los de Gotenburgo. Blues, hard rock, jazz, folk, metal tocados como si de los propios dioses de los 70 se tratara Graveyard se merecen convertirse en los auténticos salvadores de la época dorada del rock.

MOGWAI (2011) Hardcore Will Never Die, But You Will

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Si durante estos días hemos lanzado todo tipo de alavanzas a los alemanes Long Distance Calling y nos hemos derretido literalmente con lo último de los Explosions In The Sky hoy toca elevarnos una vez más al Olimpo de los Dioses del post-rock con los que son probablemente uno de los originadores de toda esta vertiente instrumental de rock sin ataduras que tantas alegrías nos ha dado a lo largo de los años y que a día de hoy es un estilo al que solamente unos pocos son capaces de sacarle todo el partido, y por supuesto los escoceses (corregido) Mogwai se pueden contar entre los elegidos con todos los honores.

El disco salió hace ya un tiempo y supongo que el que quería escucharlo ya lo ha hecho hasta la saciedad, y los que no lo han hecho todavía no sé a que narices esperan para echarle el guante a uno de los mejores discos de post-rock que van caer durante el año, por ello me limitaré a decir que después de los palos que se llevaron con su anterior The Hawk Is Howling, algo que todavía no entiendo, han decidido darle un giro de 90 grados a su música y siguiendo la estela marcadamente melódica de la que abusaron en su anterior redondo le han añadido un groove hard rockero muy acertado para la ocasión que mezclado con unas gotitas de sonido sintetizado y unos tímidos escarceos vocales han conseguido volver a recuperar parte de esa magia de la que algunos hechaban en falta en sus últimos discos.

Imprescindible hacerse con la edició en vinilo si es posible y sino con la edición especial en cd en su defecto. Una presentación de lujo para un lujazo de disco que además vienen acompañado de un cd/vinilo extra en el que nos encontraremos con un temazo de 23 minutos en el que los Mogwai explotan todas sus cualidades para dar forma a una supuesta banda sonora de un filme, una experiencia única.

SYLOSIS (2011) Edge Of The Earth

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Después de dejarnos uno de los debuts más interesantes del género en años los ingleses Sylosis vuelven a la carga con su segundo álbum titulado Edge Of The Earth para demostrar que lo suyo no es ninguna broma y que si por mi fuera ahora mismo los coronaba como los auténticos renovadores de un estilo tan indiscriminadamente clonado hasta el punto de sacarle todo el jugo y dejarlo seco hace ya años, estamos hablando del trilladísimo death metal melódico. Aunque siendo todo lo justos que deberíamos ser también hay que decir que encasillar a estos virtuosos en un sólo estilo es prácticamnete imposible gracias a la riqueza estilística y amplitud de miras que impone la banda a lo largo del disco.

Superado el escollo de perder a su vocalista y como se suele decir crecidos ante la adversidad el multi-instrumentista de la banda Josh Middleton ha sido el agraciado para cubrir las tareas vocales con unos resultados realmente impresionantes y sobradamente superiores a los de su predecesor. En el plano musical los Sylosis han decido anular por completo sus influencias más metalcoreras y han seguido el buen camino del metal extremo en su vertiente más artística y técnica consiguiendo superar con creces también en el plano musical a su demoledor debut.

Sorprende gratamente la notable subida de nivel en una banda tan joven que ahonda con quirúrgica precisión en los solos y las melodías para producir algunos de los momentos más memorables cuándo la instrumentación se pone en primer plano hasta el punto de pasar por alto el tema vocal en alguno de los temas. Su variedad de estilos abarca el progresivo, el folk, el death y el thrash a partes iguales ayudados enormemente por una imagición sin límites a la hora de construir sus composiciones plagadas de epifánicos cambios de ritmo, luminosos pasajes melódicos, unos riffs capaces de cortarte en pedacitos y unos ritmos forjados con una técnica impecable. Pero nada de esto sería tan grande sin la inestimable aportación a las voces del nombrado Josh Middleton, sus impresionanteas cualidades vocales casan a la perfección con la sobrada calidad instrumental de la banda consiguiendo aportar su personal visión para cada estilo con el juega el combo. Ingleses tenían que ser.

JAY JAY JOHANSON (2011) Spellbound

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Hoy vengo con otro de mis discos más esperados del año, y éste concretamente más aún después de haber podido disfrutar de un jugoso adelanto de tres de los temas incluídos en éste Spellbound (como me gusta el título del disco) en su último concierto el pasado Febrero en Barcelona en el que realizó otra de esas actuaciones antológicas que tan bien rubrica el sueco en directo sea cuál sea la faceta de si mismo que reprensenta en cada presentación de disco. Ni la faceta más discotequera de este polifacético artista, personificada en aquel lejano Antenna, ni sus contínuos cambios de piel han podido apartarme jamás de él. Desde sus comienzos más crooner pasando por sus homenajes al sonido Bristol hasta sus escarceos con el jazz o la bossa-nova todo lo que toca Jay Jay Jahonson se convierte en oro y este, su octavo disco de estudio, no iba a ser menos.

Viviendo su momento de mayor estabilidad estilística (el disco sigue la línea simplista de sus últimas obras), física (posiblemente sea la vez que lo he visto más saludable de las 4 que lo he visto en directo) y mental (ahora parece que sus demonios personales están menos presentes en sus letras), nos encontramos ante otra de esas forzosamente intimistas y melancólicas obras de orfebrería que Jay Jay y su inseparable compañero de fatigas son capaces de construir.

Frágiles melodías de marcado carácter derrotista y una voz que inunda cada momento con una intensidad preciosa es a lo que nos tiene acostumbrados el delgado sueco de aspecto enfermizo y desaliñado pero esta vez ha conseguido, si cabe, una colección de canciones aún más íntimas y frágiles de lo habitual llegando a emocionar a cualquiera que este dispuesto a dejarse transportar por tan divinas composiciones. Haciendo un uso y abuso del piano dontando a los temas de una sensibilidad especial y jugando de nuevo con la calidez de su voz y el frío contraste minimalista de su parte musical Jay Jay Johanson acentúa de manera espectacualr la desnudez y la simpleza de sus hermosas composiciones haciéndole ganar protagonismo a su voz dulcemente adornada por esos preciosos detalles musicales que esconde el disco resultando en una obra mucho más orgánica y luminosa que de costumbre.

Jay Jay demuestra una vez más que en su dominio de los claroscuros reside gran parte del atractivo de su música y que por mucho que pasen los años su capacidad para emocionar sigue ganando enteros gracias a la experiencia que acumula como artista y a la estabilidad mental de la que parece disfrutar desde hace unos años. Otro jodido 11 a la saca señores.

LOOPTROOP ROCKERS (2011) Professional Dreamers

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Y seguimos con la fiesta metida en el cuerpo gracias a los indisputables e indiscutibles reyes del hip-hop sueco que están de vuelta para poner a mover tu cu-cu a base bien con sus ritmos calientes y sus simpáticas rimas 3 años después del memorable Good Things, disco que significó el principio de una nueva etapa bajo el nombre de Looptroop Rockers y que se ha visto continuada en este impecable (y clásico instantáneo) Professional Dreamers del que no me he podido desenganchar ni un momento desde que lo descubrí. Su llamativa mezcla de rap, funky, reggae, dub, electro y una pizquita de rock hace de ellos una encarnación única e inimitable ensalzada por unas voces que transmiten simpatía, felicidad, buenas vibraciones, paz y amor sin complejos componiendo uno de los discos más luminosos, agradables y reconfortantes que han realizado nunca los de Västeras.

Implementar la cultura pop y la electrónica más bailonga a su música siempre ha sido una de las premisas principales para los Looptroop consiguiendo una suerte de hip-hop mestizo y original con muy pocos puntos relacionados con la escena americana que lo hace reconocible a primera escucha. El segundo disco bajo el apelativo de Looptroop Rockers (realmente el quinto de su carrera) marca el retorno al redil del brevemente desaparecido CosM.I.C. quién no estuvo junto a ellos en la elaboración del anterior Good Things pero que para este Professional Dreamers se ha convertido en un elemento indispensable para alternarse las funciones protagonistas entre los 3 mc's.

Promoe, CosM.I.C, Supreme y el Dj/Productor Embee vuelven a demostrar su calidad y versatilidad en un disco que representa el espíritu más festivo y jovial del combo resultando en su redondo más sólido y equilibrado hasta la fecha. Sin necesidad de seguir una línea concreta en los temas y variando de estilo a cada paso que nos adentramos más y más en este Professional Dreamers no hay ni un tema flojo ni nada reprochable, todo aquí está a un nivel extraplanetario, desde esos beats marca de la casa que supuran positivismo y bailoteo hasta esas típicas rimas de buen rollo que tan bien funcionan en el combo obteniendo uno de los mejores discos de rap hasta la fecha en lo que llevamos de año.

LOS TIKI PHANTOMS (2011) Mueven El Esqueleto

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Los cadavéricos adoradores del dios Tiki, puestos en la tierra para seguir sumando acólitos a su culto tribal y poner a bailar a medio mundo con sus infernales tonadillas, han Regresado de la Tumba junto con el Ejército de las Calaveras para hacer Mover el Esqueleto a cualquiera que se quiera aventurar en sus ondanadas de melodías añejas preparadas bajo la amenzante mirada del gran Dios Tiki y sus más aférrimos defensores, El Bravo, El Beat, El kahuna y El Caníbal.

Tercera entrega de los Tiki Phantoms dos años depués del oscuro El Ejército De Las Calaveras refrescando su sonido de manera contundente poniendo sus canciones en un plano mucho más vital y luminoso que de costumbre añadiendo alguna que otra novedad a su ya de por si jugosa mezcla de estilos en los que para lo ocasión han conseguido llevar sus canciones un pasa más adelante bebiendo notablemente del sonido western, el rock de riffs simples y efectivos y por supuesto cantidades ingentes de surf a tutiplén que volverá a hacer las delicias de los más exigentes.

Como dato curioso me gustaría destacar la utilización por primera vez del acordeón como elemento adicional al sonido de los Tiki que añadido al intenso twang de sus guitarras, al cardiáco desfase de su base rítmica, sus juguetones teclados y sus simpáticas trompetas resultan más que suficientes para dibujar una amplia sonrisa en tu boca y desear encontrarte a estos maestros del surf en breve en directo para disfrutar de una de las mejores fiestas que puedes vivir con unos muertos. El 1 de Abril en el Apolo, IMPERDIBLES TOTAL.!!!

EL CHOJIN (2011) El Ataque De Los Que Observan

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¿Existe una manera mejor de pasar un fin de semana que aprenderse de pé a pá lo último de el inimitable Chojin?, problablemente si, pero el nivel de adicción y de disfrute que me ha acompañado estos últimos días gracias a este Ataque De Los Que Observan es algo que no pasa cada día. El mc más respetable, regular y social del panorama nacional vuelve a la palestra con su cita bianual obligada (a veces incluso antes) con el que es su onceavo disco de estudio plagado de rap serio y de concienciación como bien nos tiene acostumbrados este dotado mc madrileño.

Bajo mi punto de vista el problema que siempre ha acarreado el Chojin desde inicios es la falta de bases a la altura de sus habilidades. Con esto no quiero decir que los beats que acompañan a las reflexivas rimas del Cho sean malos ni mucho menos, pero tengo claro que cuando escucho un disco de este mc siempre tengo la sensación de que los ritmos prodrían ser mucho mejores convirtiendo los temas en verdaderos pepinazos quedándose simplemente el mensaje como único elemente recordable de la canción. Una vez expuesta mi teoría sobre las carencias de éste mc, que como ya he aclarado nada tienen que ver con sus sobradísimas skills al micro, vamos al lío.

Mucho más serio y combativo que de costumbre y sin ningún pudor a la hora de hablar de la violencia, el sexo, las drogas o el racismo desde un punto de vista constructivo y crítico a la vez sus planteamientos e ideas están cada vez más arragaidos en las generaciones de chavales que toman como su modelo a seguir a este imprescindible mc. Reconocido y respetado dentro y fuera del rap su arte es solicitado para todo tipo de eventos (charlas, conciertos, recitales, talleres), por eso y por que ha parido posiblemente su mejor disco hasta la fecha no hay nadie en este país que se merezca más una calle con su nombre (je, je, je) que El Chojin. No voy a hablar ni de productores ni de colabos ni de los propios temas ya que me gustaría que vosotros mismos descubriérais las nuevas historias que nos ha preparado el Cho para la ocasión pero si que os voya decir que Rap Vs. Racismo es uno de los mejores temas de rap que se han hecho nunca en este país, Amén.

RIVAL SCHOOLS (2011) Pedals

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Vaya por delante que el entisiasmo me puede cuando hablamos de los Rival Schools, su debut United By Fate del 2001, y único disco hasta este glorioso momento, es posiblemente uno de mis discos más escuchados y a uno de los que le tengo más cariño de todos los tiempos. En un momento en el que el post-hardcore no era casi ni una etiqueta cuatro amigos de Nueva York procedentes de algunas de las bandas más siginificativas de las zona (Quicksand, CIV, Gorilla Biscuits) se juntaron para poner en el mapa a los Rival Schools a los que con tan sólo un disco le deben su sonido la mayoría de bandas que salieron posteriormente bajo esa etiqueta y a los que por supuesto nadie ha podido superar todavía.

La primera reacción que he tenido al ponerme por primera vez este Pedals ha sido la de sonreir, cerrar los ojos y transportarme 10 años atrás para volver a mis 23 y comprobar que estos tíos siguen rockeando como el primer día. Sin modificar ni un ápice su discurso parece increíble como con ellos no se pueden utilizar términos como cansinos, desfados o acomodados al comprobar la química que sigue desprendiendo una banda capaz de emocionarme hasta el ridículo con su sencillas y directas canciones de rock sin etiquetas.

Como una droga dotada de un nivel de adicción enfermizo estoy enganchado de nuevo a los Rival Schools reviviendo años maravillos y viendo con esperanza un prometedor futuro para esta impresicindible banda por la que daría lo que fuera por ver en directo. Por si alguien se quiere descargar también la otra obra magna de post-hardcore facturada por estos grandes de la música aquí tenéis el United By Fate por gentileza de mi hermano Magli, al que aprovecho para volver a darle las gracias desde aquí por darme la mayor de las alegrías musicales del año de largo, que bien sienta cuando compruebas que todas las esperanzas que has puesto en un disco se ven recompensadas con creces. Perfecto en todos los sentidos y aunque yo no soy de ponerle nota a los discos a este le doy un 11 sobre 10 por si no ha quedado claro lo mucho que vale esta joya.

REKS (2011) R.E.K.S. (Rythmatic Eternal King Supreme)

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Mi último descubrimiento del rap de los states, aunque al perecer este rapper ya lleva más de 10 años haciendo ruido desde el otro lado del charco, ha sido este mc natural de Boston que ha conseguido captar mi atención después de fijarme en su portada en la que aparecen escritos algunos de los nombres de los mejores productores de ritmos de la historia contando con Primo, The Alchemist, Pete Rock o Hi-Tek por nombrar algunos. Es fácil atraer a cualqueir amante del rap de alta calidad cuándo estamos hablando de tales eminencias y yo no podía dejar pasar la oportunidad de escuchar a todos estos maestros juntos y de pasada aprovechar para conocer a este desconocido mc para mi hasta el momento.

Pero cual ha sido mi sorpresa cuando me he encontrado con el mejor disco de rap americano desde que el año pasado se cruzara en mi camino aquella obra maestra del hardcore llamada The Execution protagonizada por Ruste Juxx y Marco Polo. Nada más poner el primer tema me he quedado estupefacto con las impresionantes skills que gasta el tal Reks al micro dominando todo tipo de estilos y con una calidad y claridad vocal simplemente fuera de normal. Las colaboraciones tampoco se quedan cortas con algunas de las mejores rimas salidas de las mentes privilegiadas de Styles P, Freeway, Lil Fame o Termanology.

Lo mejor del disco es esa continua sensación de competición que parece haber entre ritmo y rimas resultando en algunos de los mejores beats que he escuchado en años salidos de las manos de algunas esas eminencias del hip-hop, y también de los productores que desconozco, que intentan construir sus mejores obras para las extraplanetarias habilidades de este imbatible mc que se acaba de posicionar como uno de mis favoritos actuales con una puntuación de 110 sobre 100.

EXPLOSIONS IN THE SKY (2011) Take Care Take Care Take Care

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Si ayer comentábamos el buen estado de forma en el que se encuentra el pop hoy nos toca hacer lo propio con un estilo que aún siendo bastante más minoritario también nos ha dado enormes alegrías en lo poco que llevamos de año con lo último de los grandiosos Mogwai o esa impecable obra maestra que han parido los alemanes Long Distance Calling, me estoy refiriendo, evidentemente, al post-rock en su máxima expresión. La comunidad post-rockera abre sus brazos para recibir de nuevo con ansiada espectación a los míticos Explosions In The Sky y al que es su sexto disco de estudio en 12 años de carrera después de conseguir su mayor triunfo comercial hace 4 años con el ya casi olvidado All Of A Sudden I Miss Everyone. Ya era hora!!!.

Take Care Take Care Take Care es el perfecto manual para describir en toda su extensión la etiqueta post-rock, todos los clichés que existen en el estilo son utilizados por los de Austin sin ningún temor demostrando que las bases del género están para apoyarse en ellas extrayendo su más pura esencia para exponerlas sin ninguna necesidad de añadirle artificios sintéticos y demostrando una vez más que el rock instrumental es un estilo tan válido o más que el vocal. Inexcrutables capas de guitarras, crescendos imprevisibles, un sonido limpio y un innato dinamismo para los ritmos instrumentales son algunas de las cualidades que cualquier banda de post-rock que se precie debería incluir en su repertorio, pero si a todo esto no le pones las toneladas de intesidad emocional que los Explosions insuflan a sus composiciones no hay nada que hacer.

La música de los Explosions es altamente orgánica y palpable, sus notas flotan en el ambiente de una manera tan sutil y sugerente que casi puedes verlas salir de tu reproductor y juguetear de la misma manera que lo hacen dentro de sus cálidas y reconfortantes capas de sonido constuyendo verdaderas obras de arte capaces de tocarte el alma. Menuda suerte para los que puedan disfrutar de ellos en el próximo Primavera Sound en un día al que hay que añadirle el retorno a los escenarios de mis amados Pulp no podré asistir por falta de pasta, puto dinero.

K-OS (2009) Yes!

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Kevin Brereton sacó disco en el 2009 y yo voy y me entero el pasado Viernes a través del mágico Spoty por casualidad, mientras buscaba sus discos anteriores para pegarles unas escuchas me encuentro con que hace un par de años sacó su último disco titulado Yes! del que sorprendentemente no tenía constancia. Después de que en el 2006 sacara su tercer disco Atlantis: Hymns For Disco le perdí la pista incomprensiblemente y no ha sido hasta ahora que se me ha vuelto a encender la lucecita. A veces me sorprendo a mi mismo olvidándome de un artista que en su momento me robara tantas y tantas horas escuchándolo, lo positivo de todo esto es que me he pasado un fin de semana divertidísimo disfrutando de su último disco y de los anteriores y además me he enterado que durante este 2011 sacará nuevo disco a la calle, un reecuentro por todo lo alto vamos!!!.

Este canadiense de evidentes raíces africanas irrumpió en la escena hip-hop internacional en el 2002 con el magistral Exit presentando una personal amalgama de estilos en los con una presencia importante de elementos del hip-hop consigue una peculiar forma de mestizaje que incluye el reggae, el soul, el indie, el gospel o el folk componiendo auténticas joyas que brillaban con luz propia transmitiendo todo tipo de consignas positivistas y buenos sentimientos al resto del mundo a través de sus canciones. En 2004 nos dejó el que es hasta el momento su mejor obra llamada Joyful Rebelion con el que consiguió refinar su fórmula al máximo llevando su irresistible mezcolanza de estilos hasta límites insospechados. En 2006 contunió experimentando con estilos manteniendo el nivel de calidad con el nombrado Atlantis: Hymns For Disco, que como bien indicaba su título presentaba su propia revisión de los sonidos disco, y hoy nos encontramos ante el que es su último disco de estudio hasta la fecha titulado Yes! emulando en diseño y estilo al de su primer disco, la portada guarda ciertas similitudes de la misma manera que su estilo ha retrocido dos pasos hacía el registro más básico que respiraba su debut.

Nada de lo que alarmarse no os preocupéis, el que haya reducido su campo de acción no siginifica de ninguna manera una merma en la calidad, al contrario de lo que pueda parecer mi comentario el que este hombre haya focalizado sus esfuerzos en simplificar mínimamente su fórmula (sus imprevisibles cambios de estilo siguen presentes en sus canciones) resulta en un disco mucho más sólido que su debut gracias a todo lo que Kevin ha aprendido a lo largo de estos 10 años de experimentar y enriquecerse con todo tipo de músicas e influencias. Un disco positivo, luminoso, perfecto en forma y contenido, totalmente degustable y perdidamente disfrutable para cualquier amante de la música que transmite y emociona a partes iguales sin importar las etiquetas ni los estilos, ya me estoy frotando las manos a la espera de ese nuevo disco previsto para este año.

Una vez más... Gracias Spoty!!!

THE PAINS OF BEING PURE AT HEART (2011) Belong

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El pop está en su mejor momento de forma, y buena prueba de ello es que después del pepinazo de las Vivian Girls, la suavidad de Destroyer, la dulzura de La Bien Querida y el bailoteo de los Noah And The Whale llega el disco más esperado por los poppies más nostálgicos de la mano de los Pains Of Being Pure At Heart y su adictivo segundo disco de estudio titulado Belong. Los Pains se formaron en Nueva York en el 2007 y fue a principios del 2009 con su debut autotiludado que cautivaron los corazones de la escena indie (mayoritariamente a la sección más crecidita) con sus vestigios de otra época retrocediéndonos en el tiempo hasta el momento en el que Jesus And Mary Chain y My Bloody Valentine eran los amos del universo indie más ruidoso. Desde entonces nos hemos tenido que conformar con un breve Ep que sacaron para hacer más llevadera la espera, una espera que ha llegado a su fín con éste Belong que tenemos entre manos (virtuales por el momento).

De una manera tan evidente como contundente los Pains se han sacado el San Benito de nueva banda de shoegaze y han abierto su corazón al pop más desenfadado y vitalista descendiendo considerablemente sus aires lo-fi de carácter ruidoso y anteponiendo la melodía y la voz por encima de la distorsión que, aún siendo mucho más potente que en su debut gracias al notable punto de nitidez que le han añadido a la producción, ocupa espacios mucho más concretos. Un acierto absoluto que les abre mucho más el campo de acción consiguiendo llegar a un público más amplio a tenor de un sonido que sacrificando considerablemente el ruido resulta en una deliciosa selección de pelotazos que rallan por momentos el power-pop más refinado.

Miedo ma dan las listas de este año que se van engrosando considrablemente a marchas forzadas dejándonos prácticamente las mejores obras hasta el momento de bandas tan jóvenes como los Pains o La Bien Querida a los que todavía les quedan por disfrutar sus años más dulces pero que ya pueden presumir de haber conseguido superarse después de haber facturado dos de los mejores debuts que tuvimos durante el grandioso 2009, no me quiero ni imaginar las enormes alegrías que todavía nos pueden dar estas dos imprescindibles bandas de la escena indie actual...

SKY IS THE LIMIT!!!

AGNOSTIC FRONT (2011) My Life My Way

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Hace unos días me encontré con un colega que se sorprendió por la reciente explosión de mi faceta pop que ha ido dejando algunas de las Píldoras más dulces que se recuerdan en este humilde blog reprochándome mi desplazamiento de los sonidos más extremos, pues bien, hoy toca callar bocas con lo último de unos clásicos indiscutibles de la escena de Nueva York dignos portadores del estandarte de abuelos del movimiento capaces de seguir pateando culos sin piedad de la única manera que ellos saben hacer, con temazos incontestables de hardcore metalizado al más puro estilo NY Hardcore, preparados para el disco del año en su estilo???.

Rindiendo un merecido homenaje a sus principios visiblemente desde su portada los de Roger Miret y Vinnie Stigma consiguen que su nuevo retoño no tenga nada que envidiarle a sus hermanos mayores. Los de Nueva York siguen facturando discazos como si el tiempo no pasara para ellos, después de pasar por diversas fases de cambios de dirección a lo largo de los años su últimos discos ya exponían esfuerzos por recuperar parte de aquella furia descontrolada que exigían sus primeros discos y que finalmente se han visto recompensados con creces en este My Life My Way. Con un Roger Miret absolutamente intratable ante el micro explotando en un registro más cabreado que nunca y una banda al tope de sus posibilidades el disco convence desde la primera escucha recordando a todo Cristo quién cojones son los putos amos del estilo...

El disco suena como un auténtico bombazo gracias a la impagable tarea de esa bestia parda llamada Erik Rutan capturando un sonido que encaja a la perfección con la esencia de la banda dándole ese punto orgánico y demoledor que tienen los incendiarios directos de los Agnostic Front, algo que si no lo has experimentado nunca no sabes lo que es el hardcore en su máximo exponente, derivando en una producción simple y efectiva al máximo. A Mi Manera es el temazo del disco, je je je.

Imbatibles.

NOAH AND THE WALE (2011) Last Night On Earth

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Los ingleses Noah And The Whale irrumpieron en el panorama indie internacional con un sólido debut convenciendo a crítica y público con su calidad abrumadura más propia de unos músicos curtidos que de unos recién-estrenados pimpollos que acababan de arrancar el vuelo con sus composicones a medio camino entre en folk refinado y el pop reluciente. Justo al año siguiente se llevaron un buen varapalo con su melancólico segundo disco en el que acentuaban enormemente su faceta folk ultra-sedosa cosechando críticas bastante flojas por parte de las revistas y dividiendo a sus fans entre los que demandaban más de ese espíritu festivo que respiraba su debut y los que llegaron al convencimiento de que estábamos ante una banda única en su espécie capaz de ir mucho más lejos de sus propios límites llegando a tocar el olimpo con su segundo disco, entre los que me incluyo por supuesto.

Un año y medio después de aquella dividida contuación nos llega este The Last Night On Earth en el que el combo londinense, puede que haciendo algo de caso a esas malas críticas que los tacharon de sosainas, vuelven a las andadas de sus primer redondo entregándonos en poco más de media hora una fantabulosa tanda de 10 temazos pop de una exqusita inmediatez en las que reina la felicidad y el bailoteo superando con creces lo mostrado en su debut.

Dejando de lado la impoluta sofisticación de su segundo disco y abriéndose camino en el campo de los tímidos sintetizadores ésta Última Noche En La Tierra está plagada de perfectos y altamente adictivos pildorazos pop en los que perderse entre sus dulces melodías y salir totalmente renovado gracias a su reconfortante halo de esperanza y simpatía que emanan sus certeras y positivas composiciones. Como single de presentación tenemos la bailable L.I.F.E.G.O.E.S.O.N. con esos coros hippilongos y su irresistible estribrillo, a bailar se ha dicho!!!